A PINTURA DE GOYA
BIOGRAFIA
Vida
Pintor espanhol, Francisco José de Goya y Lucientes, nasceu em Fuentetoros, Saragoça, em 1746 e morreu em Bordéus, França, em 1828. Filho de modesto dourador, Goya tentou, sem sucesso, obter uma bolsa na Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, em Madri. Em 1774 conseguiu, por influência do seu cunhado, o pintor Francisco Bayeu, a encomenda de uma série de 63 cartões de tapeçaria para a manufatura real, em Madri. Logo se fez célebre, entrando para a Academia de San Fernando e tornando-se o primeiro pintor da corte a partir de 1799. Em 1792 uma enfermidade o tornou surdo para o resto da vida. Em 1808 José Bonaparte ocupou o trono espanhol. Goya continuou no cargo, mas freqüentando pouco a corte dos "afrancesados", servidores do novo monarca.
Em 1814 deu-se a restauração do trono com Fernando VII, que confirmou Goya no cargo junto à corte. O despotismo de Fernando VII restaurou o tribunal da Inquisição que submeteu Goya a interrogatório por causa da "Maja Desnuda" ("A moça despida"). A partir de 1820 o artista se isolou na Quinta del Sordo. Em 1824, alegando razões de saúde, instalou-se em Bordéus. Ainda retornou uma vez à Espanha em 1826, para retirar-se de vez, vivendo os seus últimos anos em Bordéus, na companhia de Leocadia Weiss, permanecendo extraordinariamente ativo em sua arte.
Obra
Goya é um dos três maiores mestres da pintura espanhola, juntamente com El Greco e Velazques. Dos três foi, sem dúvida, o caráter mais desconcertante, o mais rico de contradições. Pintor e gravador, foi o artista eurupeu mais importante de seu tempo e aquele que exerceu maior influência na evolução posterior da pintura, já que suas últimas obras são consideradas precursoras do impressionismo.
Pintura
Goya começou sua carreira como pintor religioso nos afrescos para Nuestra Señora del Pilar e a capela da Casa de Sobradiel, em Saragoça. Mas, apesar da técnica vigorosa demonstrada, esses afrescos não chegaram a ultrapassar os limites convencionais do gênero. O primeiro estilo de Goya está nos seus quadros "de gênero", que incluem a série de cartões de tapeçarias iniciada em 1775 ( os cartões estão do Museu do Prado e as tapeçarias no Escorial). Vários deles aproximam-se dos mestres franceses da época.
Mas o grande estilo realista de Goya só aparece nas composições posteriores a 1792, entre as quais se pode citar "El Manicomio", "El Tribunal de la Inquisición" "Procesión de flagelantes" e sobretudo "El Entierro de la sardina" (todos na Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, em Madri). Nesses quadros Goya pretendeu fazer observações "em que a invenção e a fantasia não têm finalidade", o que era impossível, assegurava, nas peças encomendadas. Esses quadros, cujo realismo sombrio se limita com o fantástico, são a primeira afirmação do gênio soturno de Goya.
Também dificilmente podem ser classificados de "realistas" os inúmeros retratos de Goya, inclusive os seus famosos auto-retratos. Muitas dessas obras se aproximam de uma caricatura cruel dos retratados. O quadro "Carlos IV y su familia" só merece ser chamado de "realista" noutro sentido: o grotesco e o caricatural das figuras, sobretudo a infanta Maria Josefa, indicam intenções para além das aparências. O realismo de Goya é psicológico e social em um primeiro nível, caminhando para a indagação da natureza humana em toda a sua profundidade. Também suas majas (moças), "Maja desnuda" e "Maja vestida" ultrapassam o puro realismo erótico. A crueza agressiva da "Maja desnuda" distancia o nu de Goya da "Venus" idealizada dos pintores italianos.
Com a restauração do poder de Fernando VII, Goya pintou os quadros históricos "Dos de mayo" e "Tres de mayo" retratando episódios da guerra. O "Tres de mayo", que representa os fuzilamentos de patriotas espanhóis pelas tropas francesas, é julgado a sua obra-prima de composição pictórica, tão avançada que se fez modelo de um quadro famoso de Manet. São do último período da vida de Goya as suas pinturas mais impressionantes, quadros compostos em sua casa de campo, a Quinta del Sordo. Obras como "Sábado de brujas". "El Coloso" e "Saturno" representam o ponto-limite da visão sombria de Goya. "Saturno" é um símbolo cruel de um poder devorador, que mostra a evolução do pintor para uma visão trágica da condição humana.
Gravura
Goya é tão grande gravador como pintor. Na pintura, sua arte evoluiu para um ensombrecimento gradativo das cores, até o horror cinzento do "Saturno", onde só o sangue se destaca da massa informe. A primeira série de gravuras, os Caprichos, representam bem a dualidade do espírito de Goya. Distinguem-se nos Caprichos, em que Goya empregou a técnica de gravura em água-forte, dois conjuntos bem caracterizados: o primeiro é a sátira dos costumes e vícios sociais; o segundo, sátira das superstições populares sobre as bruxarias.
Na segunda e mais célebre coleção de gravuras, Los Desastres de la guerra, ao invés do pitoresco e do grotesco predominantes nos Caprichos, nos Desastres há o predomínio do horror e da crueldade. As imagens de violência da guerra napoleônica na Espanha são implacáveis. Também se nota a mudança de técnica nessas gravuras: desaparece o traço esquemático dos Caprichos, substituído pelo traço minucioso das figuras, sobre um fundo negro e cinzento.
As gravuras que compõem a Tauromaquia revelam um outro Goya, o observador dos espetáculos, aficcionando que era das touradas. O touro e a sua fúria aparecem como centro desse espetáculo. Nas gravuras de Goya os espectadores são uma massa obscura ou são mesmo inexistentes. Mas, em Bordéus, já utilizando a técnica da litografia, Goya compõe uma tauromaquia diferente. Nela, a multidão é uma parte ativa. De qualquer modo, em Goya, o touro é uma figura emblemática, simbolizando uma violência desenfreada que perseguia o seu espírito como um pesadelo.
Os Disparates (ou Proverbios) são de 1819-1824, período final de Goya na Espanha. São, portanto, da mesma época das pinturas negras da Quinta del Sordo e anteriores às litografias de Bordéus. Mas são o cume do clima de pesadelo de sua obra gravada. As imagens não são atrozes como as dos Desastres.
Projeção e influência
Goya conheceu em vida um prestígio artístico que jamais foi contestado pela posteridade. Ao contrário, seu nome não cessou de crescer. Sua influência mais marcante se verifica em algumas obras de Manet (a idéia da "Olympia" deriva da "Maja Desnuda"). Suas gravuras impressionaram Baudelaire e exerceram influência ativa sobre os expressionistas. Sua obra teve, além disso, influência difusa na técnica de composição e no colorido, na pintura, e na técnica de gravura em água-forte e água-tinta. No fim da vida deu dignidade artística à litografia, processo então incipiente. O espírito de Goya permanece vivo (como na "Guernica" de Picasso) e, com as sucessivas interpretações de sua obra, ainda é motivo de múltiplas controvérsias.
Fonte: http://www.sabercultural.com
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